1876年，雷诺瓦在巴黎第二次印象派画展展出这幅画时，将其称为普通的“习作”。他这样做似乎是为避免评论家们的指责，后者主要对其以往所送作品的未完成状态感到不满。但评论家们并未而罢休，尤其是《费加罗报》资深艺术评论家艾伯特·沃尔夫不无讥讽地说“那幺，让我们告诉雷诺瓦先生，一个女人的上半身不是一堆布满只有完全腐烂的尸体才有的绿色的紫色斑点的腐肉。”沃尔夫是想以此表明，和代的观众一样，他对画家在绘画上的探索也不理解。画家在这幅画中表现的是裸体女性这个欧洲艺术认为合乎宗教法典的主题之一。　这位评论家不能接受的是雷诺瓦的画看上去像一幅草图，缺少实实在在的主体（在一个完全抽象的空间静立着的年轻裸女到底是谁呢？），不能接受色彩的缺乏现实感，而这些正是今天令我们感兴趣的，也正是这些东西当时为独具慧眼的观众和某些正在探求特色道路的年轻画家开闢了新的前景。雷诺瓦这幅画中的人物略微偏离中心线，在齐腰部被略显生硬地切断，用灵活的大笔触绘出的背景将其鲜明地托出，看上去似动非动，又给人以光线射在模特身上的感觉。人物上半身的明亮色调和蓝色阴影的对比、有意乱涂并置于暗处的面部展示出阳光透过植物叶片的效果，如同我们可以在露天见到的一样。这种顺其自然的创作理念正是雷诺瓦所追求的，而这又正是恪守画室创作的清规戒律的学院画派卫道士们所不能容忍的。雷诺瓦开始是在花园有外光的情况下画这幅画的，就像他在创作《煎饼磨坊的舞会》（巴黎奥塞博物馆藏）等名画时一样。但这并不意味着他没有在画室里对此画进行过加工，特别是要表现有着优美线条的上半身极为微妙的隆起部分时是一定要在室内工作的。　雷诺瓦通过这幅人物画展示其“现代”裸体的观念他曾多次申明，这种观念无疑与历史上法国绘画的传统一脉相承。但模特儿身上惟一的饰物，即其金手镯和指环使我们联想到蒙马特高地的妮妮、安娜等青年女工，画家是要将她们变成他那个时代的美女。 ----安娜·迪斯代尔（文）

1876年以后，他的风格臻于成熟。作为这种风格的代表的《游艇上的午餐》、 《爱尔·潘蒂埃夫人和孩子们的肖像》，都以明朗、艳丽、令人眩目的光彩，受到评论界和官方沙龙的讚美。随着绘画上的成功，生活境遇得到了改善。于是决定走出法国去东方寻找新的创作题材和灵感。他去了阿尔及利亚又取道英国，1881年又赴义大利游历艺术名胜佛罗伦斯、威尼斯和罗马等地，当他在罗马看了拉斐尔的画时感叹道“真是妙极了，我早该看到它们。”

这时他的艺术追求倒退到古典主义学院派，他说“在油画方面我更喜欢安格尔。”这是他艺术道路上的一次危机。但就在这危机时代，他的印象主义精神仍始终保存在他的风景画中。 阳光、空气、大自然、女人、鲜花和儿童。这就是雷诺瓦一生用丰富华美的色彩所弹奏的主题。雷诺瓦一生都很贫困，但画面却很甜美、明丽。他所画的女性丰满娇丽、妩媚动人，目光中常常流露着一种淡淡的忧郁；所画儿童，天真纯洁。他是位卓越的人物画大师，晚年得了类风湿病，手脚都变形，十分痛苦，仍坚持作画。

作品展示的是壮观的哥德式的教堂景象，强烈的晨光沖淡了它巍峨的身影，高大的建筑结构好像被浓浓的光色所包裹。笔触厚重、重迭，狂放不羁，光影与色彩成为造型的灵魂，强烈的明暗对比，使哥德式教堂成了一种布满色彩旋律的光色结晶体。

雷诺瓦(Augu ste Renoir, 1841—1919)，法国印象画派的着名画家。皮耶尔·奥古斯特·雷诺瓦出生在利摩日的一个穷裁缝的家庭。5岁时全家迁居巴黎，在13岁时已学会画瓷器画的手艺。70年代雷诺瓦和莫奈经常共同外出写生作画，切磋画艺，共同探索画中的光与色的描绘。 1874年雷诺瓦以《包厢》一画参加印象派画展，这标誌着雷诺瓦风格的成熟。后来，1876年，他又在《红磨坊街的露天舞会》一画中，用这种方法表现规模宏大的场面，透过树丛的星星点点的阳光，洒落在人们的身上、脸上、桌上和草地上，真正实践了“光是绘画的主人”这一句印象主义者的口号。